Говоря об уникальности в визуальных искусствах, люди чаще всего подразумевают стиль автора. Что такое стиль в фотографии? Какой его элемент важнее: форма или содержание?
Стиль — это философия и мысль, которую человек может поместить в абсолютно любую форму. Допустим, был начинающий фотограф с простой камерой, он вырос до продюсера и директора съёмок. В готовом результате несомненно будет заметен его прошлый опыт. Его взгляд на людей: человек любит людей, видит их необычно или какими-то абстрактными.
Форма эволюционно меняется, потому что все со временем нарабатывают технические навыки: обрабатывать, видеть свет и композицию. Инструменты, конечно, важны, но это что-то добавочное, потому что, если убрать начинку, будет видно, что автор пропал. Именно поэтому невозможно скопировать ничью работу точь-в-точь: можно скопировать инструментарий, но саму философию — невозможно, потому что каждый человек видит мир по-своему. Форма — обёртка для начинки. Философия — вот это и есть стиль.
В России несколько киношкол, выпускающих операторов, и ещё меньше вузов, предлагающих бакалавриат в фотографии. Насколько целесообразно получать высшее образование в этой сфере и возможно ли стать фотографом без него?
Я думаю, что важно не столько получить образование, сколько понимать, что фотография — это не только про фантазию, творчество и взгляд, но и про хардскиллы. Нужно владеть техникой и понимать, как быстро и качественно работать на постпродакшене, как все организовывать до съёмки. Можно пройти этот путь самому за 10 лет, а можно — за 3 года, найдя фаворитов в фотографии, и от них получить техническую базу и практический опыт. Фотограф без хардскиллов очень быстро посыпется и прогорит на клиентских заказах. Так что в любом случае база нужна, и где её получить — это уже дело каждого. Можно у хороших авторов, можно пойти в те же университеты. Но только на практике можно понять, твоё это или нет.
Вопрос к тебе как преподавателю. У каждого художника — от Рембрандта до Малевича — были ученики. Сейчас популярные фотографы создают курсы, где учат преимущественно методам фотографии. Можно ли научить человека быть автором, а не воспроизводить чужую технику?
Мне кажется, что это возможно. Потому что всегда возможно найти путь к самому себе, научиться слышать свои мысли и осознавать, что ты чувствуешь. Психотерапия доказывает это. И то же самое с творчеством: можно научиться замечать, как ты смотришь на какие-то вещи, и попробовать увидеть их с других граней, выстраивать в голове более сложные ассоциации. Мыслить немножечко шире, чем ты привык.
Появление фотографии в конце 19-го века поставило под угрозу дальнейшую жизнь живописи. Подобная история происходит сейчас с фотографией и нейросетями, генерирующими изображения. Как эта технология повлияет на фотографов? Корректно ли эту ситуацию называть конкуренцией?
Хочется сделать отсылку к интервью с художницей Еленой Шейдлин, которая как раз говорила про нейросети. У неё спросили, не боится ли она, что машина может её заменить. Она говорит, нет, потому что можно использовать эту технологию для того, чтобы лучше выполнять свою работу, заниматься более творческими делами. Мне кажется, что это соревнование неравносильное. Нейросети избавляют от бытовых вещей. Можно научиться обрабатывать через нейросеть и вообще избавиться от этого пункта в постпродакшене. Это упростит твою жизнь, если ты не любишь обработку.
В Instagram* появляются профили «нейросетевых» фотографов, по хэштегу #ai сейчас более 15 млн. постов. А в октябре Владимир Сорокин представил в Берлине художественный проект, куда включил серию работ, созданных с помощью ИИ. Нейросети — это инструмент или автор?
Я думаю, это просто инструмент, который помогает раскрыть творческий потенциал. Несмотря на многочисленные рилс про то, как использовать нейросети, чтобы писать тексты, редактировать или даже выкладывать посты. Я не уверена, что так много людей, во-первых, этим пользуется, а во-вторых, что вообще благодаря нейросетям начали зажигаться гениальные авторы, которых знает весь мир. Я не заметила такого, возможно, это не в моём поле зрения.
Развивая тему технологий и уникальности, хочется поговорить об алгоритмах и типизации контента в Instagram*. Алгоритмы вынуждают фотографов делать схожий контент, и это мешает поиску собственного голоса, стиля. Как здесь найти баланс между авторским и типовым?
Это правда, что алгоритмы сейчас многое решают. Инстаграм* — это игра, и ты можешь соблюдать правила и выигрывать, а можешь пытаться бороться. И так как я внедряла много авторского, не следуя правилам этой машины, успех и залетаемость оказывались случайными. Для фотографа, особенно, когда это твоя основная деятельность, не очень хороший вариант.
Я вывела рецепт. Основное правило — занять определённую нишу и быть в этой нише какое-то время для того, чтобы сам инстаграм* понял, что ты фотограф или художник, и мог тебя предлагать потенциальным клиентам. Какую форму использовать — право каждого автора. Контент в рекомендациях доказывает, что содержание может оставаться таким, какое запрашивает инстаграм* и алгоритмы, а форма — очень авторской. Много аниматоров круто иллюстрируют типовые проблемы. Нужно понимать, чего ты хочешь: отстаивать авторство или попадать в масштаб и быть услышанным.
Стоит ли начинающим авторам ориентироваться на тренды?
Начинающим авторам стоит ориентироваться на то, чтобы делать сначала не артхаус, а что-то более понятное. Если есть два постера: блокбастер с Тимати Шаламе и артхаус с ноунейм актёрами — и то, и другое может быть офигенным кино — люди пойдут на Тимати Шаламе. И, если начинающие авторы имеют цель стать топовыми, им нужно понимать, что люди хотят видеть что-то знакомое.
Когда я только переехала в Петербург, где не было никого, знавшего обо мне как о фотографе, я стала искать людей, похожих на Леонардо Ди Каприо, Джонни Деппа, создавать фотографии в духе фильмов «Убей своих любимых, «Назови меня своим именем». Люди узнали обо мне, потому что я задействовала близкие для нас всех ассоциации.
Даже Цех — пекарня в Петербурге — сделал со мной проект с булочкой Шаламе, когда я нашла мальчика, похожего на Тимати Шаламе. Это был успех. Если ты неизвестный никому бренд, фотограф, человек, ты берёшь ассоциацию и делаешь себя слышимым хотя бы за счёт неё, и потом уже можешь внедрять артхаус.
Референсы. Как использовать их менее очевидным образом, чтобы не скатиться в копирование? Где грань между визуальным цитированием и плагиатом?
Чтобы избежать копирования, есть классная схема: чем длиннее цепочка твоих референсов, тем более уникален в итоге контент. Если взять съёмку Питера Линдберга в качестве референса и сделать свою, она будет безумно похожа на фотосессию Питера Линдберга. Но, если смешать работу Питера Линдберга и какие-то элементы Антона Ревы, миксмедиа, граффити, архитектуры, получится невероятный коктейль, и никто не скажет, что это скопировано, потому что референсов много. Когда референс один, то это копирование.
Instagram* был и остается основной платформой для продвижения творчества. Что изменилось для фотографов спустя полтора года после его блокировки? Возможна ли культурная изоляция и на чём она отразится?
Первое, что испытало русское комьюнити после блокировки, — общий страх, когда казалось, что это теперь нерабочая площадка. Это настроение остаётся до сих пор, и самое важное — понимать, что это навязанный страх. Много людей ушло — это факт.
Но много людей осталось. И все клиенты, приходящие из инстаграма*, невероятные, они не пытаются тебе навязать свой вкус, как это было раньше. Сейчас клиенты приходят на авторство, они больше понимают и сопереживают.
Об изоляции — мы ведь все равно можем наблюдать за работами авторов по всему миру. Но я заметила тенденцию не столько в фотографии, сколько в клипах: авторы больше обращаются к российскому опыту.
Есть фотографы, снимающие социалку, а кто-то делает «чистое искусство». Уместно ли оно после 24-го февраля?
Хорошо и одно, и другое. Высказываться, чтобы высказываться. Высказываться, чтобы стало не так больно. Высказываться, чтобы продолжать жить. Есть много разных целей: кто-то зарабатывает себе на жизнь, кто-то отстаивает свою позицию. И я прошла все эти стадии и до сих пор нахожусь во многих из них. В своих работах я какое-то время писала на белорусском, какое-то время — на украинском. И мне становилось очень тепло, когда люди понимали, что у меня есть своя позиция. Украинская аудитория ушла, а сейчас снова подписывается.
Уместно ли чистое искусство? Не буду точно отсылать к названию сказки, но, насколько я помню, много сказок было рождено именно во время войны. И мне кажется, это идеальное время для того, чтобы что-то доброе рождалось и выстраивало между людьми любовь. Именно в этот и предыдущий год я особенно много любви транслирую в творчестве. Хотя бы за счёт искусства мы можем обмениваться поддержкой.
Как автору найти силы для творчества в кризисное время?
Возвращаться к себе засчёт психологии и медитации. Оставаться в тишине. Встречаться со своими друзьями и любимыми и как можно чаще говорить друг другу приятные вещи.
Изолироваться от чужого контента и новостей. Все самые громкие новости ты обязательно узнаешь. Нормально изолироваться от того, что причиняет боль, если это отравляет жизнь и не позволяет помогать другим людям. Изоляция и обмен любовью и теплом в формате творчества или жизни даёт энергию. Когда есть энергия, то есть желание что-то выдавать в мир.
*Instagram (Meta Platforms Inc. запрещено на территории России)
